viernes, 15 de noviembre de 2013

+ Pintando objetos 3D +

Habitualmente trabajamos sobre un soporte plano. El lienzo posee sólo dos dimensiones, aunque a veces se quiera simular una tercera como lo hace la fotografía. La ley principal que rige es la de la gravedad. Lo que está situado sobre el soporte inferior descansa en un suelo imaginario. Aquello que se eleva hacia el borde superior está venciendo esta fuerza gravitatoria. Además, en un  cuadro fondo y figura están claros pues hay unos bordes que ponen punto y final a la pintura y la delimitan.

Pero, ¿habéis probado alguna vez de pintar sobre un soporte en tres dimensiones? Ciertamente pueden pintarse todo tipo de objetos volumétricos: mesas, sillas, bolsos, coches, maletas, sombreros... En este blog hemos visto gente que pinta contenedores de reciclaje e incluso cabinas telefónicas. Yo, la verdad, no había experimentado mucho estas posibilidades pero la semana pasada me propusieron pintar unos zapatos.

La historia se remonta más lejos, diez años atrás. En el año 2003 la marca Timberland conmemoraba el 30 aniversario de la fabricación de su bota más famosa, la "Yellow Boot". Para celebrar ese acontecimiento se les ocurrió reunir en cada país donde estaban presentes a 30 artistas y proponerles reinterpretar esta bota con su personal visión. La creatividad se hizo presente a raudales y en España se editó un catálogo con las diferentes propuestas. 

Estamos en la recta final de 2013 y la marca celebra ahora el 40 aniversario. Se han realizado diferentes eventos, pero el recuerdo de lo que sucedió en 2003 sigue presente. Así por ejemplo, en Barcelona se contrató a Suso 33, conocido grafitero de fama internacional, que customizó in situ montones de botas que luego han podido adquirirse en la tienda.

En Palma se rememora la acción de 2003 con diversos artistas locales. Así pues, me dijeron que pintara unas yellow boot "como te de la gana"... Uno piensa en el lienzo e imagina propuestas planas, pero luego resulta que el soporte es curvo, gira y se retuerce. Lo que se ve desde este lado queda oculto en el otro. Ya no hay bordes y la piel circunda todo el zapato sin marcar un final concreto. Además, no se trata de un sólo objeto sino que ¡son dos y simétricos! Ha sido muy divertido. No os voy a poner una imagen del resultado pues prefiero que lo veáis en vivo. Esta noche exponen todos los trabajos en la tienda situada en la calle Sant Nicolau de Palma (junto a la bombonería La Pajarita) de las 19,30 a las 21,30 h. Los demás artistas que han colaborado son Tatiana Sarasa, Pep Guerrero , Tia Más, Mariano Mayol y Miguel Salom. A continuación algunas de las botas que aparecieron el en catálogo de 2003:









- Semana 11 - Carme


- Semana 11 - Claudia


- Semana 11 - Coloma C.


- Semana 11 - Coloma M.


- Semana 11 - Flor


- Semana 11 - Gloria


- Semana 11 - Joana


- Semana 11 - Joaquín


- Semana 11 - Llorenç


- Semana 11 - Maria Antònia


- Semana 11 - Maike


- Semana 11 - Mercè A.


- Semana 11 - Mercè P.


- Semana 11 - Montse


- Semana 11 - Nicolás


- Semana 11 - Pep


- Semana 11 - Sonia


- Semana 11 - Adriana


- Semana 11 - Amalia


- Semana 11 - Andreu


- Semana 11 - Ángeles


- Semana 11 - Anne-Sofie


viernes, 8 de noviembre de 2013

+ Un museo al aire libre +

Qué tendrán las paredes que tanto tientan a los pintores. Supongo que hay varios motivos que hacen que el arte urbano esté en auge. Por un lado la monotonía de las urbes modernas. El boom de mediados del pasado siglo engordó las ciudades con suburbios grises, frecuentemente de mal gusto, sin zonas verdes, con edificios excesivamente altos y de baja calidad. Frente a esta homogeneidad vulgar, el arte de la calle se presenta como una alternativa que confiere personalidad propia a cada lugar, añade una nota de color y vida a los muros y enriquece el panorama con el universo simbólico propio de cada artista. Además, evoluciona con la misma ciudad: envejece con el cambio de las estaciones y lentamente va dando paso a nuevas propuestas visuales.

Hace unos días leía en el Diario de Mallorca que en Calviá acaba de tener lugar la segunda edición de BetArt. Durante 15 días, diez artistas elegidos por comisarios especialistas en arte urbano han trabajado sobre los muros de edificios públicos y privados (los propietarios de estos últimos se comprometieron a mantener las obras en su estado final por lo menos durante cinco años). El resultado podemos verlo más abajo, las fotos las he tomado del periódico. Pasear por la ciudad y encontrarse estas llamativas imágenes es una grata sorpresa. Súbitamente nos liberamos del purismo constructivo y nuestra imaginación puede volar a otros lugares. Seres de otros mundos nos acompañan, formas crean otras dimensiones más allá de las cuatro que nos constriñen, colores convierten el gris hormigón en un fondo sobre el que trabajar. La libertad que el arte genera en la mente se contagia a las demás facetas de nuestra vida. Crear nos estimula como seres humanos y ver arte nos hace más creativos.

La situación estratégica de estas obras permitirá que el Ayuntamiento ofrezca una ruta turística para visitar las 14 actuaciones que actualmente tiene el municipio. Aplaudo esta atrevida propuesta del Consistorio que revaloriza entornos carentes de personalidad y estética, que tanto abundan a nuestro alrededor.








- Semana 10 - Anne-Sofie


- Semana 10 - Amalia


- Semana 10 - Alejandra


- Semana 10 - Teresa A.


- Semana 10 - Sebastiana


- Semana 10 - Nicolás


- Semana 10 - Montse


- Semana 10 - Mercè P.


- Semana 10 - Mercé A.


- Semana 10 - Julia


- Semana 10 - Joaquín


- Semana 10 - Eva


- Semana 10 - Elisabet


- Semana 10 - Coloma M.


- Semana 10 - Coloma C.


- Semana 10 - Carmen


viernes, 1 de noviembre de 2013

+ Un viaje de mil demonios +

El otro día me contaba Amalia que en su viaje a Valencia había visitado en el Centro Cultural la Nau la exposición del ilustrador “El Roto” titulada "Un viaje de mil demonios". Me habló de cómo le había inspirado su trabajo en tinta y de las ganas de trabajar que le habían entrado viendo sus obras. Me picó la curiosidad y como no voy a coger de momento el avión a la capital del Turia, busqué las imágenes por Internet.

Andrés Rábago (Madrid, 1947) bajo el seudónimo de “el Roto” y “Ops” es colaborador en numerosas revistas de análisis político, satíricas, cómics, y en prensa escrita. También es autor de más de una veintena de libros, escenógrafo e incluso ha trabajado en películas de animación. Además es pintor (firma como Rábago) con una línea muy personal que bebe del surrealismo al estilo de Magritte.

Siempre os hablo de lo importante que es contar cosas. No trabajamos como quién hace punto delante de la televisión. Dibujar o pintar no debe convertirse en algo mecánico o repetitivo y para que no sea así es necesario tener algo que comunicar. “El Roto” es un autodidacta pero tiene mucho que decir. Utiliza los instrumentos visuales para enfatizar su mensaje con tanta maestría que sus viñetas son admirables en su sencillez. Mirando sus trabajos no pude sustraerme a la tentación de analizar unas pocas para vosotros y desvelar esos juegos sutiles que deberíais buscar en cada trabajo:

1.- Profundidad: En la primera viñeta el personaje está junto a nosotros pero los edificios se ven a lo lejos. Por una parte le corta las piernas a la figura para acercarla, pero sobre todo es el tratamiento lo que la hace venir. Está llena de tramas, líneas y detalles mientras que los bloques del fondo son unas pocas marcas sobre el blanco ¡Cuanto más cerca más detalle! Y qué bonita trama, no es pesada ni confusa sino limpia y clara, cómo huye de lo arbitrario.

2.- Contraste: Lo que a todos nos atrae es la vida. La juventud es bella porque está llena de vida. Las flores son hermosas porque sus vivos colores sugieren vida. En la pintura la vida se consigue con la tensión pues sólo lo que posee energía crear movimiento. Podemos conseguirla con la composición o con los colores. Rábago aquí sólo utiliza blanco y negro pero con cuánta sabiduría. De hecho el contraste nos cuenta el mensaje: un personaje es sólo línea pura, el otro sólo mancha negra. El negro pelo del indio lo une al conquistador, cuyas manos y cara en trazo hacen el juego a la inversa. La diferencia de tratamiento habla de la diferencia de culturas y de origen. Para enfatizar la distancia el ilustrador incorpora una lanza puntiaguda a modo de frontera.

3.- Composición: Seguimos hablando de vida, pues la vida es lo que nos mueve (os acordáis de cómo limpiaba el Ayuntamiento de Sao Paulo los cráneos de Alexandre: la muerte liquida nuestro bien más preciado). El contraste es vida y al componer creamos tensiones que atraen al ojo. Las diagonales son muy importantes (aquí la flecha y los miembros). También hay contraste de volúmenes. Por último el hecho de cortar de un tajo al jinete y al caballo es un atrevimiento sorprendente. La composición está llena de vida pero nos habla de muerte. Las víctimas tienen cabeza pero han sido desposeídas del cuerpo. El verdugo no tiene cabeza, sólo armas y envergadura.

4.- Originalidad: Por último señalar que nunca hay reglas definitivas. Saber encontrar el detalle inesperado es crucial y a menudo aparece por casualidad, si tenemos la mente abierta. En la última viñeta el caballo es mitad blanco y mitad negro. Posiblemente no fue una idea premeditada. Seguramente dibujó el equino con líneas y empezó a oscurecer el lomo del animal. Al llegar a la pierna del jinete exclamó: “¡Ostras!” y se detuvo. Medio animal de cada color creaba una tensión excelente que no debía desperdiciarse. Continuó el resto resaltando sólo los trazos del animal. Además suprimió el detalle de las bridas. Con el círculo insertado en la boca ya se entendía que estaban. No hay que sobrecargar con anécdotas innecesarias, menos es más.

Ops nos ofrece cuatro pautas para llevar nuestros trabajos a buen puerto: profundidad, contraste, composición, originalidad. Alguna de ellas debe estar presente en nuestra obra.






- Semana 9 - Nora


- Semana 9 - Pep